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Tubarão
  • 5/5 estrelas
  • Filmes

É um clássico, sim, mas é também uma história que pegou nos típicos filmes de monstros e os converteu numa montanha russa feita de excitação, suspense e uma imaginação delirante no que toca a colocar o espectador perante cenas nunca vistas. Tão importante para o cinema de terror como foi, décadas antes, o Psico de Hitchcock. Embora alguns dos elementos de Tubarão, a começar pelos efeitos especiais, pareçam hoje um pouco datados, o ingrediente central - a capacidade de nos deixar instantaneamente em stress com uma imagem do oceano e dois acordes musicais do grande John Williams - mantém-se intacto. E a verdade é que ir à praia nunca mais foi a mesma coisa.

Alien - O Oitavo Passageiro
  • Filmes
  • Ficção científica

As pessoas lembram-se do visual do filme. Uma nave espacial encontrada no espaço com estranhos ovos lá dentro. Um organismo a saltar do interior de um deles e a agarrar-se a um dos exploradores do cenário, deixando-o em coma. Nuvens de poeira suspensas no ar: A banda sonora arrepiante assinada por Jerry Goldsmith. Uma atmosfera carregada de intimações de coisas más. Mas Alien, filme de terror espacial, clássico intocável, criador de imagens inesquecíveis de criaturas horrendas a rebentar pelo peito dos personagens, é muito mais do que o seu visual. É também um filme revolucionário, ao transformar uma mulher, a Ripley de Sigourney Weaver, numa das mais icónicas figuras do cinema de acção, dentro ou fora da ficção científica. E, claro, ao pôr os homens grávidos de monstros...

  • 3/5 estrelas
  • Filmes
  • Animação

Vencedor do Óscar de Melhor Longa-Metragem de Animação, O Rapaz e a Garça, de Hayao Miyazaki, regressa agora às salas. E não deverá ser a última longa-metragem de animação do realizador, como tinha sido anunciado. Este filme visualmente sumptuoso e cerradamente imaginativo, que começa no Japão em plena II Guerra Mundial e passa depois para um mundo paralelo mágico e onírico, está repleto de referências autobiográficas, bem como de reflexões e interrogações de Miyazaki sobre a sua arte e o acervo que deixa no cinema de animação. O herói é Mahito, um rapazinho filho de uma enfermeira e de um empresário que fabrica componentes para aviões de guerra, e que perde a mãe no bombardeamento do hospital onde esta trabalhava em Tóquio. Algum tempo depois, com o pai agora casado com a cunhada, que espera um bebé, Mahito vai viver com esta para uma grande casa de família no interior do país, e lá vê-se alvo das atenções de uma garça (que não é apenas um pássaro) que lhe diz que a mãe está viva. E que para a ver, o rapaz deve acompanhá-la a uma torre abandonada na qual desapareceu, muitos anos antes, o seu erudito tio-avô, que lá tinha a sua biblioteca. O Rapaz e a Garça é um filme tão opaco, falho de linearidade narrativa e desconcertante, como inventivo deslumbrante e mirabolante, e que apesar de alguns pontos de contacto, contrasta de forma radical com o anterior, e superior, As Asas do Vento. Mas se podemos pôr algumas reticências ao fundo de O Rapaz e a Garça, a forma, essa, é Miyazak

  • 4/5 estrelas
  • Filmes
  • Suspense

Palma de Ouro do Festival de Cannes, Anatomia de uma Queda põe em cena um casal de escritores, Sandra, alemã, que publica com sucesso, e Samuel, francês, também professor universitário, que sofre de um frustrante bloqueio criativo, e o seu filho de 11 anos, Daniel, que tem graves problemas de visão após ter sido atropelado por uma moto e precisa de um cão-guia. A família vive num chalé na montanha, perto de Grenoble, e um dia, Samuel é encontrado morto pelo filho, aparentemente após ter caído de uma janela abaixo ou então cometido suicídio. Mas a polícia põe a possibilidade de ter havido homicídio, e Sandra é a principal suspeita, acabando por ser formalmente acusada e levada a julgamento. Anatomia de uma Queda tem a estrutura, os tiques e as características narrativas de um policial jurídico clássico, embora Justine Triet se demore mais do que é habitual a descrever e desvendar, com paciência e minúcia, o background humano, doméstico, emocional e psicológico do caso, esmiuçando a tensão e a crescente degradação das relações entre marido e mulher e o seu impacto no filho, alternando constantemente de ponto de vista e mantendo-nos na dúvida sobre o que realmente aconteceu quase mesmo até ao fim (e talvez mesmo após o fim). Sandra Hüller, para a qual Triet e o seu parceiro de argumento Samuel Harari, escreveram expressamente o filme, é óptima, ainda mais porque tem que alternar entre duas línguas na sua interpretação, uma das quais a personagem não domina bem, mas não esqueçamo

  • Filmes

A nova bizarrice do grego Yorgos Lanthimos, autor de Dentes e A Lagosta, é esta fantasia neo-frankensteiniana, cyberpunk e a armar ao pingarelho de feminista, passada num mundo vitoriano alternativo. Emma Stone é Bella Baxter, uma jovem grávida salva do suicídio por afogamento por um cirurgião desfigurado, Godwin Baxter (Willem Dafoe), que lhe troca o cérebro pelo do seu bebé não-nascido e a transforma numa criança mimada e colérica, mas de vasto apetite sexual, e cujo rápido desenvolvimento o seu salvador e guardião segue cuidadosamente. Um dia, Bella quer ir conhecer o mundo do qual Godwin a quer resguardar, e acaba, depois de esgotar sexual e financeiramente o seu amante (Mark Ruffalo), a prostituir-se num bordel de Paris. É difícil dizer o que é mais lamentável em Pobres Criaturas: se o infantilismo pseudo-“transgressor”, raso e cansativo da história, se os maneirismos visuais da realização, se os tratos de polé a que Lanthimos submete a pobre Emma Stone, muito convencida que está a interpretar um papel de grande substância dramática e “significado” profundo. A fita está nomeada para 11 Óscares, e é caso para dizer que os Óscares já não são o que eram.

Mulholland Drive
  • Filmes
  • Drama

O regresso de Twin Peaks à televisão é o pretexto para a reposição desta magnífica obra de David Lynch, mais de uma vez considerado o seu melhor filme, cuja narrativa, por assim dizer, foi já motivo de quase tantas interpretações quantos os espectadores que a ela assistiram. Um desafio
 à imaginação em que uma candidata a actriz (Naomi
 Watts) chega a Hollywood cheia de sonhos e acaba envolvida numa – talvez, nunca se sabe – conspiração, ou, em alternativa, uma ilusão psicótica que envolve uma misteriosa mulher (Laura Harring) e um considerável número de peculiares personagens e situações bizarras.

  • Filmes
  • Suspense

Reposição, em cópia restaurada, deste filme de 2003 de Park Chan-wook, o segundo da “Trilogia da Vingança” deste realizador sul-coreano. Após ter sido raptado e mantido em cativeiro durante 15 anos, um homem é libertado e tem cinco dias para encontrar o seu captor e vingar-se dele.

O Lamento
  • 5/5 estrelas
  • Filmes
  • Terror

Algum do melhor cinema que se faz hoje é sul-coreano. E algum do melhor cinema fantástico e de terror que se
faz hoje vem da Coreia do 
Sul. O Lamento, de Hong-jin Na, o autor do estonteante policial de acção The Chaser (2008), e de um perturbante thriller dramático, The Yellow Sea (2010), vai ficar para a posteridade do género como a resposta asiática a O Exorcista, de William Friedkin. Além disso, envergonha quase tudo aquilo que actualmente, no mundo ocidental, passa por cinema de terror sobrenatural, sobretudo aquele que sai dos Estados Unidos. O Lamento é um filme de possessão demoníaca (com um toquezinho zombie) passado no interior da Coreia do Sul,
 e as forças malignas que nele operam não se limitam a atormentar uma pessoa, mas sim os habitantes de uma vila. Hong-jin Na, que também escreveu o argumento, afeiçoa 
o horror às características culturais e religiosas da sociedade sul-coreana. O que nos dá direito, por exemplo, a uma elaborada cerimónia de exorcismo budista, um dos momentos altos da fita, que é simultaneamente um duelo entre as forças da luz e das trevas pela alma de uma menina, a filha do protagonista, Jong-Goo (um estupendo Do-won Kwak), um polícia um bocado trapalhão que investiga a série de crimes horrendos que estão a ocorrer na sua vila, e percebeu que têm origem sobrenatural. Os assassínios parecem,
 a princípio, ser atribuíveis a cogumelos venenosos, mas Jong-Goo começa a desconfiar de um idoso japonês que apareceu recentemente na região e vive numa

  • 3/5 estrelas
  • Filmes
  • Drama

Lydia Tár (Cate Blanchett), a protagonista de Tár, de Todd Field, é uma maestrina e musicóloga sobredotada que está à frente da Orquestra Sinfónica de Berlim, prepara uma importante gravação da Quinta Sinfonia de Mahler, vai lançar a sua autobiografia e é responsável por um programa de bolsas para promover a formação de maestrinas e sua introdução no meio da música clássica. As suas credenciais woke são também impecáveis: é lésbica assumida e casada com a primeiro violino da orquestra (Nina Hoss), e têm uma filha adoptiva etnicamente correcta.  Mas o mundo de Tár ameaça desabar quando ela começa a ser perseguida nas redes sociais e contestada na rua, e alvo de acusações de predação sexual e de responsabilidades no suicídio de uma antiga pupila e assistente (o argumento não clarifica o que aconteceu e deixa o espectador tirar as suas conclusões).  Tár valeu a Cate Blanchett o Prémio de Melhor Actriz no Festival de Veneza, o Globo de Ouro de Melhor Actriz Dramática e está nomeado para seis Óscares. É menos um filme sobre o mundo da música clássica do que sobre o poder, como ele se exerce, e como se pode abusar dele, até naquele meio artístico. Refinadamente fotografado por Florian Hoffmeister e realizado com luvas de pelica por Field, Tár demora a estabelecer o enredo, tem tempo a mais – a grande pecha do cinema dos nossos dias – e perde-se em digressões irrelevantes e acontecimentos secundários que não adiantam nada ao desenvolvimento da história nem à caracterização das perso