Sete coisas que aprendemos na exposição “Arte & Moda”

Historicamente, o dourado surge associado à divindade, à espiritualidade e ao poder. Foi usado no Egipto Antigo, em tradições da América Latina e assume um papel central na Igreja Católica para dignificar figuras. Mais do que uma cor, funciona como um símbolo de elevação, seja no plano religioso, artístico ou social.

Na moda, o fio de ouro tornou-se uma forma de exaltar peças e estatutos. Um dos exemplos mais marcantes apresentados na exposição é Magnificent Gold, de Guo Pei – uma criação imponente.

A mostra começa precisamente com esse diálogo. De um lado, a máscara egípcia da Coleção Gulbenkian; do outro, a peça de Guo Pei. Separadas por séculos, mas unidas pelo uso do dourado, estas duas obras mostram como a mesma linguagem visual atravessa o tempo, mantendo intacto o seu poder simbólico.

“A arte deve inspiração à moda, mas a moda deve à arte a sua permanência no tempo.” A frase do curador resume uma relação de dependência mútua que atravessa séculos. Se, por um lado, a moda influencia a arte, por outro, é a arte que garante que a moda não desapareça. 

Na verdade, a maioria das peças de vestuário anteriores ao século XVIII não sobreviveu até aos dias de hoje pela fragilidade dos materiais, da humidade, da exposição à luz ou até de desastres naturais. Mas ficaram as imagens. Graças aos registos da arte, sabemos como se vestiam diferentes épocas, classes sociais e culturas. É através da arte que se reconstroem silhuetas, tecidos, cores e detalhes que, de outra forma, teriam desaparecido por completo.

“Não é por seres um designer que faz saias para homens que és moderno.” A citação do curador foi feita junto a uma estátua funerária do Egipto, datada de cerca de 2000 a.C., onde a peça já aparece representada. Ao lado, um coordenado contemporâneo de Yohji Yamamoto reforça a ideia. A moda pode parecer disruptiva, mas muitas vezes limita-se a recuperar códigos antigos. 

Mais um exemplo claro de como a moda absorve referências antigas, transformando-as em algo novo. O vestido Delphos, de Mariano Fortuny, criado em 1907, surgiu num momento em que as descobertas arqueológicas em Knossos despertaram um novo fascínio pela Antiguidade. O vestido contempla um cinto com um símbolo inspirado nas crateras gregas e é, segundo o curador, “a única peça de alta-costura considerada obra de arte”.

No século XIX, a inauguração do canal do Suez serviu de passarela para a imperatriz Eugénia de Montijo e o seu guarda-roupa assinado por Charles Frederick Worth. O “pai da alta-costura” imortalizou ali o verde Nilo, um tom que se tornou popular em revistas e, claro, na sociedade da época. Este impacto antecipou o conceito moderno de “cor do ano”. 

Em 1968, enquanto Paris fervilhava com a contestação estudantil e a ascensão do feminismo, Yves Saint Laurent reinterpretava a sahariana – uma peça de herança militar e masculina. Ao colocá-la numa mulher e, ainda para mais, na capa da revista Vogue, o designer abriu caminho para uma nova leitura do guarda-roupa feminino. Faria o mesmo com o smoking uns mais tarde. A moda não só reflete a mudança social, como por vezes a antecipa.

“A beleza salvará o mundo”, escreveu Dostoiévski. E a exposição recupera essa ideia como uma espécie de fecho – não como conclusão, mas como intenção. Nas palavras de Eloy Martínez de la Pera Celada: “tornamo-nos melhores pessoas quando estamos cercados pela beleza. É algo que eu adoraria que acontecesse às pessoas que passassem por aqui."